I film più inquietanti del 2019

Di Patrick Phillips/12 aprile 2019 15:05 EDT/Aggiornato: 30 dicembre 2019 12:08 EDT

Alla gente piace fare domande su quanto spesso la vita tende a imitare l'arte (o viceversa) e su come il cinema in particolare può servire come immagine speculare del mondo non solo come è, ma come potrebbe diventare. Se uno di questi punti di vista può essere preso al valore nominale, allora il mondo in cui viviamo è più che leggermente fratturato. Forse più preoccupante di quel fatto inquietante è che ogni sorta di cose malvagie sembrano farsi strada attraverso le fessure sempre più ampie.

Indipendentemente dal fatto che tu scelga di vedere il mondo, non vi è dubbio che un'ampia gamma di paure, incertezze, lotte sociali e paranoie intrinseche stanno aiutando a guidare queste cose malvagie in superficie. A loro volta, stanno anche guidando le narrazioni per alcune delle più intriganti (e più inquietanti) confezioni del grande schermo in anni recenti. Questi stessi temi e temi complessi sono alla base anche di alcuni dei lavori più impegnativi del 2019. Mentre l'anno continua a offrire una potente serie di film in possesso di terribili terrori, personaggi nefasti e delizie bestiali, siamo felici di raccontare ognuno di essi per te. Questi sono i film più inquietanti del 2019.



Il buco nel terreno

Dalla sua fondazione meno di un decennio fa, Film A24 si è trasformato dal piccolo studio indipendente che potrebbe diventare una vera e propria centrale elettrica indipendente. Lo hanno fatto producendo una sapiente miscela di drammi umani e nudi (chiaro di luna, Lady Bird, Camera) e tariffa di genere abilmente obliquo (Ex machina, La strega, ereditario). Quest'anno l'A24 è in linea con quella strategia di rilascio e dà il via al 2019 con il paranoico chiller di Lee Cronin Il buco nel terreno.

Se non hai familiarità con il nome di Cronin, è perché Il buco nel terreno è il primo lungometraggio del regista irlandese. State tranquilli, è un esordio dannatamente impressionante - quello che trova una giovane madre e suo figlio che tentano di costruirsi una nuova vita ai margini di una piccola città rurale. Sfortunatamente, la loro nuova casa esiste anche ai margini di una vasta foresta, e in quella foresta esiste una dolorosa ed espansiva dolina - che può o meno essere collegata ai drammatici cambiamenti comportamentali nel ragazzo.

Cordiali saluti, lo è. Non è proprio uno spoiler: per prima cosa, il fatto diventa evidente all'inizio del film, e per un'altra,Il buco nel terreno è meno preoccupato di colpi di scena e spiegazioni scioccanti di quanto non lo sia nel creare un'atmosfera desolante di paura e paranoia. Cronin e la compagnia gestiscono questa impresa a picche, abbinando i loro brividi atmosferici con un approccio ossessivo e a combustione lenta che culmina in un finale che sembra la roba degli incubi di Kafka.



Velvet Buzzsaw

Dan Gilroy ha collaborato l'ultima volta con Jake Gyllenhaal per una satira mediatica caustica su un ambizioso Angelino che cerca di entrare nel mondo del giornalismo criminale. Quel film ha mescolato perfettamente la sua pungente satira con una sensibilità distintamente 'cupa e oscura', usando persino alcuni tropi del film horror per dare all'azione una qualità post-moderna da incubo. Con una delle migliori esibizioni di La carriera di Gyllenhaal, Nightcrawler si è rivelato non solo uno dei migliori film del 2014, ma anche uno dei suoi più snervanti.

Un tale successo è stata la combinazione di regista, attore e materiale che la coppia ha ricongiunto per l'ultima confezione satirica di Gilroy, il thriller soprannaturale Velvet Buzzsaw. Sarai felice di sapere che, per la seconda volta, emettono un'altra imponente accusa contro la cultura capitalista Velvet Buzzsaw li vede fare così con le lingue saldamente piantate nella guancia.

L'ambientazione di questo giro è il volubile, opportunistico mondo dell'arte moderna e, più concisamente, un circolo vapido di produttori di gusto che si arricchiscono vendendo una cache di dipinti recentemente scoperti. Il trucco è che questi dipinti sono stati creati da un pazzo il cui spirito (e altro) risiede in ciascuno di essi e cerca di vendicarsi di chiunque tenti di trarne profitto. Sì, quella trama è sciocca come sembra. E sì, Gilroy abbraccia pienamente quella stupidità Velvet Buzzsaw. Lo tempera anche con un'enorme dose di minaccia che trasforma la sua parodia acerbica in una bestia meditabonda e sanguinante di un film con la testa piena di fantasia e un cuore pieno di ira.



Lords of Chaos

Il mondo in cui viviamo ci ricorda rapidamente che il fatto è spesso molto più strano della finzione. Caso in questione: la storia bizzarra oltre che ha ispirato l'opera di black metal di Jonas Åkerlund Lords of Chaos. Per quelli di voi che non conoscono quella storia, segue un adolescente norvegese di nome Euronymous che ha creato il 'vero black metal norvegese' tramite la sua band Mayhem. Nel tentativo di portare Mayhem alle masse, Euronymous e i suoi amici si sono impegnati in un'ondata di acrobazie pubblicitarie scioccanti che hanno scosso la nazione fino in fondo.

Come la maggior parte degli sforzi artistici, quelle acrobazie sono iniziate in piccolo, con i graffiti satanici e il trucco dei non morti sufficienti. Gli spettacoli dal vivo di Mayhem sono presto diventati foraggio per la testa di maiale recisa, il respiro del fuoco e l'automutilazione. Mentre Euronymous e il suo equipaggio continuavano a spingersi a vicenda, la voracità delle acrobazie aumentava, i confini tra 'atto' e 'realtà' si dissolvevano, aprendo la strada a incendi dolosi, violenza e (inevitabilmente) omicidio.

Sì, Lords of Chaos racconta una di quelle storie che sembrano semplicemente troppo bizzarre per essere credute, ma si basa interamente sul fatto. Da parte sua, Åkerlund presenta a ogni impresa empia uno sguardo sorprendentemente impassibile, permettendo ai fatti sempre più assurdi di questo caso di svolgersi più o meno esattamente come li abbiamo conosciuti. Lungo la strada, non si diletta particolarmente nel presentare gli atti scioccanti all'interno (anche se li presenta in modo vivido nei dettagli), e alla fine offre un dramma ossessionante e biografico sull'ambizione artistica che sbalordisce e che sentirebbe la roba della farsa, se non per la sua realtà inconcepibile.

Noi

Ormai, dovresti conoscere l'ascesa meteorica di Jordan Peele alla ribalta dietro l'esperimento horror sociale perfetto per il 2017 Esci. E se non lo sei, ti consigliamo di andare a vedere Esci immediatamente, perché è incredibile come hai sentito. Era così straordinario Peele Oscar debutto sul fatto che ci fosse una legittima preoccupazione se avrebbe evitato il crollo del secondo anno che affligge molti registi rivoluzionari. Queste preoccupazioni si sono amplificate quando Peele ha annunciato che sarebbe tornato al genere horror per il suo seguito.

Naturalmente, quelle preoccupazioni sono sbiadite in un'ansia anticipazione quando Peele ha scatenato il primo rimorchio agghiacciante per Noi sul pubblico. Per la maggior parte del pubblico cinematografico, sono evaporati completamente per circa cinque minuti nell'ultimo festival di spavento socialmente consapevole del regista.

credi 3

Proprio come il suo predecessore, Noi è un'altra confezione di genere audace, incisiva e persino spiritosa che porta saldamente le sue influenze sulla manica, ma in qualche modo non sembra, non si sente o non gioca come nessun film dell'orrore che lo precedeva. Per quanto riguarda la trama Noi, è una storia relativamente semplice della narrativa doppelgänger che trova una famiglia terrorizzata da versioni malvagie di se stesse. Piace Esci, Peele ha pesci molto più grandi da friggere con una narrazione che gira e gira e stringe in modi che semplicemente non puoi immaginare. Di quei colpi di scena, non diremo altro. Sappi solo che arrivano dietro un senso quasi soffocante di terrore esistenziale e con un debole per lo spray arterioso mai visto prima in qualsiasi cosa Peele abbia mai fatto.

Trascinato attraverso il cemento

Parlando di film con un occhio ai problemi della società, hai visto la stranezza nichilista che è Trascinato attraverso il cemento? Anche se non lo hai fatto, supponiamo che tu abbia sentito qualcosa dell'ultimo di S. Craig Zahler in quanto presenta Vince Vaughn e Mel Gibson. In questi giorni, tale casting (Gibson in particolare) porta con sé una serie di domande su possibili programmi. Per quanto riguarda l'agenda, possiamo dirlo con tutta certezza Trascinato attraverso il cemento non è la macchina della propaganda 'di destra, rabbia maschile bianca' alcuni critici l'ho capito per essere.

Se il film di Zahler ha un'agenda, è puramente che vuole scioccare, provocare e condannare chiunque vi si presenti. Quell'atto in sé è di attrito dato la durata di 159 minuti del film - un tempo ingrandito all'infinito dalla stimolazione lenta del film e dal fatto che si tratta fondamentalmente di persone vili che fanno cose auto-serventi.

Come le opere precedenti di Zahler, Trascinato attraverso il cemento adotta un approccio polposo e ultraviolento al cinema, depositando ragazzi aggressivi narcisistici e moralmente compromessi in mondi da incubo (se meravigliosamente fotografati) in cui si attende brutalità indicibili. I poliziotti razzisti e facilmente corrotti di Vaughn e Gibson sono il volto di questo particolare incubo. In quanto tale, il film non cerca mai di renderli eroi (o persino antieroi) o la loro visione del mondo smarrita e autoripresentata. Piuttosto, Trascinato attraverso il cemento presenta un paesaggio elegantemente sedizioso e spietato in cui possono realmente esistere. È un brutto mondo più vicino al nostro di cui molti si sentiranno a proprio agio, e se Trascinato attraverso il cemento ha un messaggio generale, è che nessuno, nemmeno l'innocente, può rimanere pulito in esso.

penetrante

Se una dozzina di amanti del cinema nominasse i dieci più inquietanti film dell'orrore nella storia, due film appariranno probabilmente in ogni elenco: il chiller demente e d'atmosfera di Takashi Miike Provino e il dramma gotico straziante Gli occhi di mia madre. Proprio FYI, il primo è basato su un romanzo di Ryû Murakami, e il secondo è stato diretto dall'autore indipendente Nicholas Pesce. Non dovrebbe sorprendere quindi penetrante - adattato da un romanzo di Murakami e diretto da Pesce - dovrebbe trovare la sua strada in questo elenco.

Ciò che potrebbe sorprenderti è che tipo diverso di bestia penetrante è a confronto. Sì, la tendenza di Pesce per la cupa atmosfera è in gioco. E sì, l'orrore del corpo grottesco e il distacco sadico che punteggiava quello di Murakami Provino ci sono anche. Tra quelle macabre influenze, Pesce trova in qualche modo spazio per infondere nel suo ultimo incubo un'energia strana, quasi giocosa, che ricorda più una commedia sessuale degli anni '60 che un orribile film horror.

Considerando che il film parla di un uomo che assume una ragazza squillo al solo scopo di torturarla e ucciderla (deviando così i suoi impulsi di mettere una piccozza nel figlio neonato), non è una cosa da poco. Detto questo, l'energia sopravvive alla sanguinosa e brutale tête-à-tête che guida l'azione è anche impressionante. That Pesce contorce quei toni disparati in un brutto ed elegante thriller gotico che invoca contemporaneamente il lavoro di David Lynch e Billy Wilder è ciò che rende penetrante deve vedere il cinema, anche se finisci per odiarlo. E molti di voi lo faranno.

Il vento

Esistono essenzialmente due modi per avvicinarsi alla realizzazione di un film horror. Il primo riguarda secchi di sangue finto, un killer mascherato (o un mostro assetato di sangue) e una dozzina di spaventi. Il secondo è quello di concentrarsi interamente sulla costruzione di un ambiente di puro terrore psicologico al servizio di paure meticolosamente eseguite. Ambientato tra i paesaggi isolati della frontiera occidentale intorno al 1800 e incentrato su una fattoria guidata oltre il limite dalla durezza della vita sulle pianure implacabili, la straziante fantasia western / horror di Emma Tammi Il vento accetta con tutto il cuore il secondo approccio. Come il migliore dei thriller atmosferici, trova brividi più genuini nella sua narrativa silenziosa e infestata di quanto possa immaginare qualsiasi film di schifoso slasher.

Come il meglio dei thriller atmosferici, Il vento adotta un approccio relativamente semplice al suo racconto su un padrone di casa forte come unghia lasciato solo in mezzo a un vasto paesaggio di praterie sulla scia di una tragedia indicibile. Il culmine di quella tragedia gioca un ruolo vitale in Il ventoLa narrativa generale, ma il film è più efficace quando la donna (che crede che un demone malvagio possa perseguitare l'area) è intrappolata in totale isolamento. In questi momenti tesi e lunatici, in cui Tammi lascia che il suo film indugi in un silenzio silenzioso e lugubre, consumato da un senso di isolamento orribile come qualsiasi spirito malvagio, Il vento è un esercizio quasi perfetto nell'orrore psicologico. È abbastanza efficace da trascurare il fatto che alcuni elementi del dialogo e della narrazione non lineare altrove nel film lasciano a desiderare.

Cimitero per animali domestici

Con offerte di genere lodate dalla critica che arrivano nei cinema su base apparentemente settimanale, è chiaro che stiamo vivendo un vero e proprio periodo d'oro dell'orrore. Dato che Stephen King è dietro ad alcuni dei più grandi successi del genere negli ultimi tempi, è sicuro dire che stiamo vivendo anche un'età d'oro degli adattamenti di King. Mentre aspettavamo con ansia It: capitolo due per andare al cinema, ci siamo arrangiati con un nuovo adattamento macabro ed emotivamente punitivo del romanzo di negromanzia più venduto di King,Cimitero per animali domestici.

Coloro che ricordano l'adattamento spietato di Mary Lambert del 1989 soffrono ancora di incubi di bambini che maneggiano bisturi. Quell'originale era il tipo di orrore grintoso che ti ha fatto desiderare di farti una doccia dopo aver ottenuto i titoli di coda. Se diffidate del nuovoCimitero per animali domestici, tieni presente che Kevin Kölsch e Dennis Widmyer non perdono nulla di quella grinta nel loro incantesimo. Con un paio di cambiamenti narrativi chiave, in realtà rafforzano la grinta per l'avvio.

Certo, il nocciolo della storia è lo stesso. Una famiglia si trasferisce nel Maine, ne conseguono tragiche morti, seguono resurrezioni sbagliate e regna il caos dei non morti. Ciò che distingue il caos qui è che la maggior parte del salasso viene dalla mano di un bambino. Mentre Kölsch e Widmyer si divertono chiaramente nella costruzione di un senso implacabile di angoscia atmosferica per tutto Cimitero per animali domestici, il loro film prende fuoco quando i morti si alzano e quell'angoscia si trasforma in un terrore assoluto, e il duo prova una gioia esplicita nel guidare tutto verso un finale straziante è destinato a lasciarti senza fiato.

Vita alta

Da quando ha perso la pelle abbagliata che lo ha reso una stella con il set di tween, Robert Pattinson è diventato uno degli attori più avvincenti del cinema. Lo ha fatto cercando ruoli non convenzionali in film come quelli di un autore Cosmopolis (David Cronenberg), La Rover (David Michôd) e Buon tempo (I fratelli Safdie). Con ogni nuovo ruolo e ogni nuovo regista, Pattinson sembra intenzionato a mettere l'asticella sempre più in alto.

Non dovrebbe sorprendere, quindi, che Pattinson sia attratto da un nuovo audace progetto del provocatore francese Claire Denis. Ancora meno sorprendente è che l'attore supera di nuovo se stesso nel ruolo di un uomo che lotta per mantenere se stesso e sua figlia in vita nei confini di un mestiere fatiscente perso nello spazio profondo. Ciò che può sorprendere molti è quanto sia drammatico il dramma spaziale psicosessuale contorto e di alto concetto di Denis.

mercurio è morto

Credici quando te lo diciamo Vita alta riporta davvero lo psicopatico in psicosessuale. Per quelli che si chiedono come sia finito il papà di Pattinson nello spazio profondo, è perché era un cattivo, cattivo ragazzo sulla Terra che - insieme a molti altri criminali e uno scienziato veramente pazzo - ha firmato per un radicale esperimento riproduttivo nello spazio piuttosto che morire prigione. Ti sembra abbastanza strano? Denis e Co. si stanno appena scaldando. Ciò che segue è una fottuta mente folle di un film alimentato dal sesso, dalla violenza, dal tradimento e, in definitiva / inaspettatamente, dalla speranza. E sì, al centro della follia c'è una delle esibizioni più belle / strane della carriera di Pattinson.

Opossum

Se ti capita di soffrire pupaphobia (a.k.a. paura dei burattini) o paura delle cose inquietanti e striscianti con otto zampe (a.k.a. aracnofobia), e specialmente se ti capita di soffrire di tutti e due, ti esortiamo a smettere di leggere, perché la caratteristica di debutto severa e oppressiva di Matthew Holness Opossum può offrirti poco più di un mondo di dolore e incubi per una vita. In realtà, lo stesso può essere vero anche se tu non fare soffre di una di quelle fobie.

Non essere sorpreso se non hai mai sentito parlare di Holness Opossum. Il film non ha mai avuto un rilascio teatrale negli Stati Uniti, e dopo a ben ricevuto eppure la corsa limitata nel suo Regno Unito nativo l'anno scorso, è andata direttamente a VOD per i mercati statunitensi all'inizio di quest'anno. Dopo aver vissuto questo piccolo film emotivamente estenuante noi stessi, è facile immaginare che teatri e spettatori stiano lontani a frotte. Ciò non significa necessariamente che dovresti farlo anche tu.

Sì, un pupazzo ha un ruolo importante in Opossum. Ha la forma di un grande aracnide con una mostruosa testa umana attaccata, se ti stai chiedendo cosa farà esplodere davvero il fobico in mezzo a te. Insieme al senso soffocante del terrore esistenziale del film, Opossum è davvero un orologio piuttosto difficile. Se riesci a digerire quella particolare follia, sei ancora in cerca di un'astratta e metaforica astrazione metaforica su una psiche umana danneggiata irreparabilmente dal trauma e dall'abuso dell'infanzia - uno che, sebbene magnificamente fotografato e abilmente recitato, è così implacabilmente desolato rende artisti del calibro di Lynch Eraserhead e Cronenberg Ragno (entrambe le chiare influenze) sembrano una passeggiata nel parco. Considerati avvisato.

La perfezione

Attenzione, fan del body horror. Tutti i fan del body horror, per favore, riferisci immediatamente a Netflix e aggiungi Richard Shepard La perfezione alla tua coda immediatamente. Siate certi che anche i più grandi fan dei sottogeneri horror più santi possono ottenere un po 'più di quanto si aspettassero durante il primo terzo del thriller psicologico straziante e pieno di Shepard. Al centro di questa contorta storia ci sono una coppia di prodigi per violoncello (interpretati in parti uguali da zelo sinistro e sensualità sinistra da Allison Williams e Logan Browning). I momenti di apertura di La perfezione trova i violoncellisti in punti drammaticamente diversi della vita, con la stella di Williams sbiadita dopo essersi allontanata dalla musica per prendersi cura di sua madre morente, e la stella di Browning che brilla nel mondo della musica - in particolare agli occhi del superbo istruttore della coppia.

Quando Charlotte si ritrova finalmente libera da obblighi familiari, cerca immediatamente di tornare nel mondo della musica che è stata costretta a lasciare. Un'ammirazione / attrazione iniziale e apparentemente reciproca tra la coppia mette rapidamente i violoncellisti in un viaggio, che si trasforma rapidamente in un incubo horror del corpo che farebbe rabbrividire David Cronenberg. Ma questo è solo l'atto di apertura del film. Da lì, beh, le cose diventano un po 'pazze, con Shepard e la troupe che distorcono la trama ingombrante in modi sempre più inquietanti che alla fine impedisconoLa perfezione dal raggiungere quell'aspirazione titolare. Tuttavia, si rivela spesso un thriller di prima classe, generosamente eseguito, dotato di un'energia maniacale minacciosa che sazierà gli appetiti contorti e assetati di sangue del genere affamato.

Climax

Durante la sua decennale carriera dietro la macchina da presa, Gaspar Noé è stato etichettato di tutto, da un provocatore spudorato a un visionario cinematografico. Come si può immaginare da quelle etichette disparate, i film di Noé hanno la stessa probabilità di lasciare gli spettatori disgustati e correre alla porta, così come lasciarli incantati da un disagio inquieto. L'unico elemento peculiare che alimenta il corpo incendiario del regista è che Noé stesso sembra meno preoccupato Come gli spettatori reagiscono ai suoi film fintanto che quei film stanno reagendo, perché è esattamente quello per cui sono progettati.

Come le quattro caratteristiche dirette da Noé che l'hanno preceduta, Climax è un altro esperimento cinematografico selvaggio incentrato sul superamento sia della decenza narrativa che dell'ambizione artistica. Per essere chiari, Climax è un risultato tecnico, artistico e narrativo potente come qualsiasi altra cosa Noé abbia mai fatto prima. È anche certo che molti spettatori attaccheranno al primo segno della dissolutezza che verrà.

Quel momento arriva all'incirca a metà Climax, intorno al tempo in cui la troupe di ballerini al centro del film scopre che le loro bevande sono state arricchite da un potente narcotico. Questa è la trama di cui ci sentiamo a nostro agio qui - non perché abbiamo paura di rovinare qualcosa per i neofiti di Noé, ma perché le parole semplicemente non possono fare la cronaca dell'inferno allucinogeno che il regista scatena sulla scia di quel momento. Sappi solo che a volte è quasi impossibile osservare la follia che si svolge Climax, ma spesso è altrettanto difficile distogliere lo sguardo.

Coltello + cuore

Ci sono una manciata di cineasti che possono rivendicare il titolo di game-changer di genere. Se stavi raccogliendo un elenco di tali registi, dovresti includere Alfred Hitchcock, Dario Argento e Brian De Palma. Li troverai quasi sicuramente in cima alla lista del provocatore francese Yann Gonzalez, e Coltello + cuore è tutta la prova di cui hai bisogno.

Ambientato a Parigi alla fine degli anni '70, Coltello + cuore presenta la storia di Anne - una cineasta specializzata in film blu artistici della persuasione maschile. Ma proprio mentre Anne inizia il suo film più ambizioso, i membri della sua troupe iniziano a essere uccisi in modo brutale, mettendola nel bel mezzo di un mistero contorto e straziante che gira il suo mondo sottosopra.

Quella narrativa contorta trova Gonzalez che prende a prestito pesantemente dalle opere rivoluzionarie dei suddetti maestri per offrire il film stilizzato, strambo e incentrato sui toni giallo-giallo che il mondo non ha mai saputo di cui avesse bisogno. Uno che vede anche Gonzalez coraggiosamente tirare pugni per quanto riguarda il contenuto omosessuale o gli atti macabri di violenza correlata. (Ad esempio, un grande giocattolo per adulti ha un coltello interrato sepolto all'interno per creare un'arma del delitto.)

Quindi sìColtello + cuore ovviamente non è per gli schizzinosi. Ma i più avventurosi potrebbero scoprire che questo grintoso, meticolosamente eseguito opus slasher ha gli stadi di un classico cinema LGBTQ che rende omaggio ai maestri del genere anche se spinge il loro lavoro visionario in nuovi audaci terreni.

Hagazussa

Gli ultimi anni hanno visto un movimento legittimo per riportare il genere horror nell'Arthouse in cui abitava regolarmente negli anni '70 e nei primi anni '80. Ciò significa che i cineasti sono stati un po 'meno preoccupati di servire ciecamente la sete di sangue e più desiderosi di adottare un approccio psicologico al genere a combustione lenta. A tutte le bellezze a combustione lenta che hanno conquistato i grandi schermi negli ultimi tempi (ad es. La strega, ereditario, Buonanotte mamma, Segue), Hagazussa lo scrittore / regista Lukas Feigelfeld ha solo una cosa da dire: 'Vedo il tuo ritmo glaciale e ti sollevo l'infinito'.

Non è uno scherzo, comunque. HagazussaIl meticoloso ritmo, la narrazione in gran parte non verbale e il design minimalista del suono lo rendono il tipo di bestia a combustione lenta che metterà alla prova il coraggio anche dei più feroci devoti dell'orrore. Per quelli che restano fedeli, Hagazussa è anche una delle offerte più suggestive dal punto di vista atmosferico che il genere horror abbia mai visto, e sembra vantare un finale così inaspettatamente raccapricciante da farti girare lo stomaco.

Solo per la cronaca, l'approccio slow-core del film alla storia non è descritto solo per i calci. Hagazussa è ambientato quasi interamente nei terreni montuosi dell'Europa del XV secolo, e segue una donna emarginata (marchiata strega da molti cittadini) che lotta per mantenere il suo buonsenso mentre vive in un isolamento quasi totale con la figlia appena nata. All'interno di quella narrativa sorprendente, Feigelfeld utilizza quell'approccio metodico per cullare gli spettatori in uno stato ipnoticamente paranoico, che abilmente rafforza la tensione e rende i momenti finali da brivido del film ancora più devastanti.

mezza estate

Proprio l'estate scorsa Ari Aster ha scatenatol'inferno diabolico quello era ereditario su ignari amanti del cinema di tutto il mondo. Bene, le stagioni hanno percorso l'intero ciclo, offrendo un'altra estate calda e appiccicosa sul mondo, e con essa Aster ha prodotto un altro estenuante exploit cinematografico che assicurerà che nessuno trovi conforto nei freddi confini oscuri del loro cinema locale.

Secondo Aster, il suo 'dramma di rottura' che ha indotto un traumamezza estate è solo un piccolo film su una relazione malsana che va in fiamme. E - almeno sulla carta - questo è esattamente ciò che questa orribile storia di una coppia condannata (interpretata con tragica perfezione daFlorence Pugh e Jack Reynor) visitando il leggendario festival di metà estate di un villaggio rurale svedese è. Capire, tuttavia, che mezza estate è un 'film di rottura' allo stesso modo ereditario era un po 'un dramma familiare. Ciò significa che ci sono molte più cose terrificanti in gioco nell'incubo del sole mezza estate di qualsiasi 'film di rottura' che tu abbia mai visto.

Se non hai ancora sperimentato il terrore inondato di sole di mezza estate, dovresti saperlo, come ereditario, a volte è quasi insopportabilmente cruento. Sappilo, mi piace ereditario, quei momenti scioccanti non possono essere invisibili. Ma come ereditario, la brutalità in tutto mezza estate funziona a causa del senso quasi soffocante del terrore psicologico che Aster costruisce minuziosamente attorno a loro in uno dei film più spaventosi dell'anno. E sappi che, come ereditario, entrambi proviamo pietà e rispetto per il tuo diritto di sperimentare questa succube allucinogena che scuote l'anima con una lavagna il più pulita possibile. Sei stato avvisato.

It: capitolo due

È un po 'difficile da credere, ma sono passati due anni da quando Andy Muschietti ha scatenato il capitolo uno dei esso saga su un pubblico ignaro. Il cacofonia cosmico e spettrale di Muschietti non solo ha spaventato il bejeezus di tutti coloro che l'hanno incontrato (ahem), ma ha anche spaventato il film a nord di $ 700 milioniin tutto il mondo al botteghino.

Quel tipo di critico e il successo finanziario ovviamente ha portato ad aspettative più elevate Capitolo due del mostruoso, omicida epico clown di Muschietti. Siamo qui per dirti che sì, It: capitolo due è inquietante quanto il suo predecessore. E sì, L'opinione assolutamente mentale di Bill Skarsgård su Pennywise è ancora la star dello show (anche se ha una competizione molto seria da parte di artisti del calibro di Bill Hader e Jessica Chastain).

Certo, Pennywise è orribile Capitolo dueschtick non è abbastanza al livello del 'freddo fino all'osso' come lo era per la prima volta Questo è principalmente perché ora sappiamo un po 'cosa aspettarci dal allegro omicida. Questo non vuol dire che Muschietti e Skarsgård non rechino più dolore. It: capitolo due più che offrire la sete di sangue e il terrore sfrenato che ti aspetteresti (vedi quella scena di Stanley-ragno), ma Capitolo due mette al centro il Losers Club. Come tale, Muschietti & Co. rinforza la posta in gioco emotiva dell'azione estenuante e offre quel film horror più raro che mira non solo a scioccare, ma a tirare le corde del cuore.

Freaks

Anche se 'uno di noi' si astiene che punteggia lo shock di culto del 1932 di Tod Browning Freaks avrebbe potuto facilmente funzionare nell'abominevole mondo di Zach Lipovsky e dello scherzo fantascientifico omonimo intitolato Zach Lipovsky, un nome è tutto ciò che hanno in comune. Il mondo di Lipovsky e Stein's Freaks è diverso da qualsiasi cosa tu abbia probabilmente sperimentato prima.

Detto questo, dovrai solo fidarti di noi quando ti diremo che il modo migliore per entrare nel mondo orribile di Freaks è conoscere il meno possibile. Fidati anche quando diciamo che qualunque cosa pensi di poter conoscere Freaks, scoprire quanto ti sbagli sull'azione fa parte dell'indescrivibilmente divertente divertimento del film.

Quello che ti diremo è quello Freaks segue una ragazzina audace (la nuova arrivata Lexy Kolker) che, dopo essere stata cresciuta in uno stato di prigionia forzata dal suo padre chiaramente instabile (Emile Hirsch), fa una pausa per questo e scopre che il mondo non è affatto quello che pensava .. e potrebbe essere molto più pericoloso per lei di quanto non avrebbe mai potuto prevedere. Lipovsky e Stein trascorrono la prima mezz'ora di Freaks costruendo un thriller teso e claustrofobico. Ma quando il film scoppia e il suo mondo si espande, beh, aggrappati ai tuoi posti, perché non si realizza molto rapidamente, comeFreakssi trasforma in uno shock scioccante e politicamente carico che non vedrai mai arrivare.

Le tigri non hanno paura

Uno sguardo alle notizie in questi giorni ti dirà che il mondo come lo conosciamo non è davvero in gran forma. Città del Messico in particolare è stata assolutamente devastato negli ultimi anni per spargimento di sangue derivante da guerre di cartello viziosamente violente. Guerre che hanno lasciato centinaia di migliaia di morti - per non parlare di una generazione di giovani messicani rimasti orfani, in lotta per sopravvivere nelle strade cattive di una città che li ha quasi dimenticati.

Le strade di una città messicana senza nome fanno da cornice alla fantasia nero come la pece di Issa López Le tigri non hanno paura. E nella realtà da incubo del film, López deposita una bambina spaventata di nome Estrella, la cui madre (come tante altre) è misteriosamente scomparsa. La giovane eroina è armata di tre desideri e accompagnata da una banda di compagni orfani. Mentre Estrella si adatta ai pericoli perpetui della sua nuova vita, scopre che i suoi desideri potrebbero essere reali - e che i desideri non sempre si avverano nel modo in cui speri.

Parti uguali Guillermo del Torostile dark fantasy, J-horror ossessionato dai toni e drammatico dramma del cartello, Le tigri non hanno paura è un refrigeratore neogotico inesorabile, perfetto e pazzesco tanto penetrante quanto inquietante. Mentre la sinergia atmosferica e soprannaturale che permea ogni singolo fotogramma del film è più che sufficiente per tenerti al limite, il carico emotivo che Issa López & Co. offre al suo fianco è ciò che ti lascia scosso fino in fondo, e tutto ciò assicura Le tigri non hanno paura indugerà nella tua testa e nel tuo cuore molto tempo dopo il lancio dei crediti.

Ladyworld

Ora ecco un film di cui è quasi impossibile parlare ... anche se si potrebbe essere costretti a pensare meglio di chiamare Amanda Kramer Ladyworld un film a tutti. Piuttosto, il suo racconto maniacalmente silenzioso di ragazze adolescenti che impazziscono dopo essere state tagliate fuori dal mondo a seguito di un disastro naturale sconosciuto è certamente meno un film che un pezzo d'umore minaccioso e sperimentale sulla fragilità della natura umana e delle strutture sociali.

il film dell'anello

Come tale, Ladyworld prende in prestito pesantemente dall'amato romanzo del 1954 di William Golding Il signore delle mosche, essenzialmente trapiantando la sua trama da un paradiso isolato dell'isola ai soffocanti confini di un appartamento, e giocando abilmente con ruoli di genere seguendo ragazze adolescenti suburbane invece di ragazzi adolescenti eleganti. Mentre le tattiche possono variare all'interno dell'equipaggio di Kramer, puoi essere certo che i risultati sono familiari, con tutte le pugnalate e le torture (sia emotive che fisiche) che ti aspetteresti.

L'opinione di Kramer sull'argomento è molto più inquietante di quella di Golding, con scelte stilistiche audaci (ad esempio fotografia claustrofobica e design del suono selvaggiamente insolito) che tengono gli spettatori al limite e li immergono completamente in un mondo che abita allo stesso tempo nell'iperrealtà e nell'eterogeneità da incubo . Il risultato è un film che vede Il signore delle mosche attraverso il prisma rigido e dissonante di I vergini suicidi. Evidenti influenze a parte, te lo possiamo assicurareLadyworld (che presenta anche una svolta brillantemente spigolosa da Stranger Things scoppiare Maya Hawke) è proprio la sua bestia. E questa bestia racchiude un inferno di un morso vizioso.

Burlone

Da debuttando nel 1940, l'enigmatico maniaco che abbiamo imparato a conoscere semplicemente mentre Joker è diventato il gold standard dei supercriminali e continua a dimostrare un nemico adeguatamente miserabile nel mondo di Batman - uno in grado di mettere in atto ogni sorta di atti atroci contro il Cavaliere Oscuro, i suoi alleati e i cittadini di Gotham. Quel tipo di status jolly ha contribuito a rendere Joker una fonte viscerale di energia maniacale malvagia nel corso di le sue numerose apparizioni sul grande schermo.

Questo non è mai stato così vero come con la presa radicata ma elegante di Todd Phillips sulle possibili origini di un personaggio davvero originale ma non meno demente. Intitolato semplicemente Burlone, La grintosa e standalone confezione di Phillips prende saggiamente un approccio al primo personaggio, con Joaquin Phoenix interpretando il presunto clown principe del crimine come un emarginato mondano che soffre di delusioni narcisistiche che lo rendono incline a esplosioni di estrema violenza. Come tale, Burlone ha tanto in comune con artisti del calibro di drammi grintosi e vivaci di Martin Scorsese come Tassista e Il re della commediacome fa i film di Batman Tim Burton o Christopher Nolan.

Sì, molto è stato fatto BurloneLa moralità contorta, la sua mentalità di guerra di classe e il suo uso traumatico della violenza. Ancora di più è stato detto del personaggio potenziale per ispirare atti di tradimento nel mondo reale. La verità è che tutti quegli elementi esterni costruiscono un senso acuto e inquietante di iper-realtà nella Phillips Burlone, ma il semplice fatto è che il film rimane così dannatamente inquietante perché l'ascesa del Joker non è mai sembrata così plausibile.

Depravato

Negli ultimi decenni, Larry Fessenden ha forgiato una delle carriere più interessanti ai margini di Hollywood. In effetti, quella carriera ha spesso trovato il ginocchio di Fessenden nel profondo del sangue finto e dei toni minacciosi al servizio di reinventare ciò che l'orrore potrebbe essere. Più di recente, l'autore horror indipendente ha costruito la sua piccola incubatrice per una fiera di genere a basso budget nelle vesti della sua società di produzione Glass Eye Pix - ed è esattamente lì che Fessenden ha dato vita alla sua rivisitazione dei mitici Frankenstein.

Parte incisiva Frankenstein-centrico film di mostri e film drammatici in parte strazianti, Fessenden Depravato è essenzialmente cosa Frankenstein avrebbe potuto diventare se Shelley avesse iniziato a scriverlo oggi - il che significa che è ancora un mostro gotico dal cuore freddo sull'arroganza morale e scientifica che sta rovinando l'umanità. Solo Fessenden prende in prestito tale impostazione per esplorare temi altrettanto pesanti come il trauma postbellico, la follia farmaceutica e il potere duraturo della coscienza umana in circostanze davvero inconcepibili.

Ovviamente, Depravato è prima di tutto una classica storia dell'orrore su un dottore pazzo che mette insieme le parti del corpo per dare vita a un non morto. Come tale, è alimentato da abbastanza sangue, sangue e umore per soddisfare i gusti della maggior parte degli appassionati di horror. Ma con i suoi personaggi profondamente umani (cioè tragicamente imperfetti), sceneggiatura maliziosamente penetrante e tono terrificante, Depravato trascende il tradizionale Frankenstein narrazione per offrire qualcosa di molto più inquietante: un gotico moderno in cui anche le più nobili intenzioni sono corrompibili in nome del commercio e uno in cui uomini e mostri sono la stessa cosa.

Beatitudine

Grazie al oh-così scintillante crepuscolo franchising, il genere dei vampiri è stato recentemente più uno scherzo ammiccante che un paesaggio fertile per racconti estenuanti e cruenti di gioia non-morti. Fortunatamente, i puristi del genere hanno trascorso gli ultimi anni a reclamare il terrificante sottogenere in nome dei brividi meditabondi e assetati di sangue che lo hanno generato. Lo hanno fatto riportando il vampiro in strada sotto forma di thriller sanguinanti a basso budget come La trasfigurazione e Una Ragazza Cammina A Casa Da Solo Di Notte, anche con il giddy gore di Cosa facciamo nell'ombra servendo a riportare il gruppo succhiasangue al loro posto legittimo in cima alla mostruosa maestosità del cinema.

film odiato

Aggiungi il nuovo film bestiale di Joe Begos Beatitudine all'elenco delle storie di vampiri che rivendicano la grandezza minacciosa del genere, anche se la parola 'vampiro' non viene mai pronunciata nel film. Incastonato tra i panorami velenosi della moderna Los Angeles, Beatitudine trova un pittore tragicamente egocentrico coinvolto in un esasperante blocco creativo e in debito con alcuni seri agitatori nel vapido mondo dell'arte di Los Angeles. Nel disperato bisogno di una scossa, si trasforma in una potente droga allucinatoria e, con un piccolo aiuto da un amico senz'anima, si trasforma rapidamente in un incubo intriso di sangue di sesso, omicidio e, sì, creazione, i risultati di che devono semplicemente essere visti per essere creduti. Sappi solo che non sarai in grado di scorgere le frivolezze sconvolgenti e sconvolgenti contenute nell'atto finale di Beatitudine.

The Lodge

Con il terrificante chiller del 2014 Buonanotte mamma, Il duo austriaco Severin Fiala e Veronica Franz si sono annunciati al mondo come il raro genere di cineasti di genere in grado di offrire delizie da brivido osseo alimentate tanto dall'umore meditativo quanto dall'umanità incisivamente schiacciante dell'anima. I due tornano con il loro film di follow-up The Lodgee saprai circa cinque minuti di questa minacciosa bellezza che il duo si stava appena scaldando con il suo debutto imbarazzante. Il thriller pubblico freddo al Sundance all'inizio del 2019e vedrà finalmente il rilascio ampio nel febbraio 2020.

C'è poco spazio per il calore nei gelidi confini di Fiala e Franz The Lodge. Messo in moto da una brutale tragedia, il film si svolge quasi interamente tra le pareti ghiacciate di una cabina isolata trincerata in una tempesta di neve implacabile. All'interno ci sono due bambini (essoJaeden Martell e la nuova arrivata Lia McHugh), e la loro futura matrigna (Riley Keough), di cui danno la colpa per il divorzio dei loro genitori e la tragedia che ne deriva. E ciò che si svolge all'interno di quelle mura è la vera mente di un gioco di gatto e topo che lascerà la sua parte di cuori in gola.

Naturalmente, i giochi con il gatto e il topo sono giusti solo se tutte le parti sono consapevoli del gioco a cui stanno giocando. E va notato che se la parte inconsapevole è un ex membro di culto e il sopravvissuto solitario di un suicidio di massa, beh, il gioco potrebbe essere più infido per i giocatori consapevoli. Come The Lodge si dispiega, le regole di detto gioco cambiano in modi sempre più allarmanti, con tutte le persone coinvolte che si gettano a capofitto verso un finale che, come detto, lascerà i cuori in gola e le psiche fratturate in modi che ancora non puoi capire.

ferite

Un consiglio: se ti capita di imbatterti in un telefono cellulare smarrito, fatti un favore e consegnalo immediatamente al più vicino perso. Non cercare di capire come sbloccarlo. Non iniziare a mandare messaggi con uno sconosciuto completo che ti sta inviando messaggi seriamente sinistri. E nel nome di tutto ciò che è buono e santo, non iniziare a scorrere le immagini su quel telefono. Se ti stai chiedendo perché non dovresti fare queste cose, Babak Anvari è malvagio e meraviglioso ferite sarà più che provare il nostro suono logico perso e trovato.

ferite trova davvero il barista Will di Armie Hammer nel quartiere francese Will in possesso di un simile telefono. Quando lo porta inavvertitamente con sé dopo un turno di notte particolarmente impegnativo, ha poca idea che la sua notte (ergo la sua vita) stia per diventare molto più strana. Ma una volta che inizia a mandare messaggi allo sconosciuto dall'altra parte e ad esplorare i contenuti intensamente inquietanti del telefono stesso, beh, le cose si fanno davvero scure molto rapidamente per il barista e i suoi amici.

Quanto è buio, chiedi? Diciamo solo che le cose viste in quel telefono sono legittime roba da incubi. E una volta che Will e la sua ragazza (Dakota Johnson) iniziano a svelare il mistero dietro le immagini inquietanti, ferite inizia una discesa diabolica in una narrazione diabolicamente inquietante che deve tanto a Kafka quanto a Lovecraft. E no, non facciamo questi paragoni alla leggera, quindi contati e te lo hai avvertito ferite è un tipo speciale di inquietante, e non dovrebbe essere inserito alla leggera.

Il Faro

È fin troppo facile dimenticare adesso, ma solo pochi anni fa nessuno (fan del genere o snob del cinema blu allo stesso modo) sapeva davvero chi diavolo fosse Robert Eggers. Ciò è cambiato quasi da un giorno all'altro, ovviamente, dopo il folklore gotico sconvolgente di Eggers La strega cinema di successo - almeno lo ha fatto per quei fan di genere che preferiscono i loro film d'autore serviti con un lato enorme di angoscia soprannaturale e minaccia malsana.

Per i molti spettatori che hanno osato guardare di nuovo lo sguardo d'acciaio di Black Philip, La strega ha dimostrato il tipo di film che ha lasciato oltre l'ansia di vedere cosa avrebbe fatto Eggers dopo. Puoi contare sia Willem Dafoe che Robert Pattinson in quel lotto, dato che secondo quanto riferito ogni attore ha contattato Eggers personalmente per esprimere interesse a saltare su qualsiasi progetto su cui il regista stesse lavorando. È possibile che entrambi gli attori si siano pentiti di quella decisione una volta sul set di Eggers Il Faro, poiché le riprese ghiacciate del film in Nova Scotia sarebbero state abbastanza tranquillestimolante. Tuttavia, Dafoe e Pattinson erano probabilmente oltremodo elettrizzati quando finalmente hanno visto il film finito.

Di Il Faro, non diremo molto, non perché non c'è Un sacco da dire sul film, ma perché devi davvero vederlo per capire. Anche se Il Faro è certamente un film che non 'capisci' tanto quanto vivi. In ogni caso, l'ultimo incubo cinematografico di Eggers sarà senza dubbio una delle volte più strane che avrai al cinema quest'anno. Sappi solo che potrebbe anche diventare uno dei migliori.

Daniel non è reale

Elijah Wood sta entrando nel quarto decennio della sua carriera cinematografica. Come tale, rimane uno dei pochi ex bambini attori che sono riusciti a passare con successo a una carriera ben considerata da adulto. Sebbene Wood sia impegnato come attore, negli ultimi dieci anni ha fatto alcuni dei suoi lavori migliori dietro la cinepresa, producendo maniaci del genere attraverso la sua casa di produzione SpectreVision.

Solo negli ultimi cinque anni, SpectreVision ha offerto alcune delle offerte di genere più amate (e più di sinistra del centro) nell'attuale 'epoca d'oro dell'orrore' - Una ragazza cammina a casa da sola di notte, Il ragazzo, The Greasy Stranglere l'opera di vendetta sconvolgente dell'anno scorso Mandy tra loro. Puoi andare avanti e aggiungere Adam Egypt Mortimer Daniel non è reale, perché è un'altra aggiunta brutale e assolutamente fuori di testa al crescente canone SpectreVision.

Non parleremo molto Daniel non è reale qui, perché dire qualsiasi cosa sul film probabilmente rovinerebbe il suo ingombrante, sconcertante fascino. Diremo semplicemente che il film (in parte thriller psicologico, in parte shock pseudo-soprannaturale e in parte qualcosa ... completamente inaspettato. La storia segue uno studente universitario travagliato (Miles Robbins) che si rivolge al suo immaginario amico d'infanzia (Patrick Schwarzenegger) per conforto dopo una tragedia familiare. Dovremmo anche dire che quell'amico era un sociopatico fin da bambino e che non ha fatto altro che scardinare il tempo. Tutto ciò significa che la vita per il giovane travagliato - e tutti quelli che lo circondano - diventa sanguinante e arrabbiato in modi sempre più bizzarri.

In tessuto

Se sei riuscito a sopportare i primi tre film di Peter Strickland - il thriller di vendetta del 2009 Katalin Varga, 2012 è intrigantemente astruso Berberian Sound Studioe il film drammatico S & M del 2014Il duca di Borgogna, sai che ogni film è più esageratamente astratto e innegabilmente assorbente rispetto al precedente. Sembra che i peculiari gusti cinematografici di Strickland non abbiano quasi vacillato nei cinque anni successivi Il duca di Borgogna cinema grazie. In effetti, sembra che quei primi film fossero solo in fase di riscaldamento per il suo ultimo intruglio bizzarro In tessuto.

E non commettere errori, In tessuto è senza dubbio il film più selvaggio che Strickland abbia realizzato fino ad oggi. È anche uno dei suoi migliori. Situato in una piccola città britannica, In tessuto si apre con una divorziata di buon cuore (Marianne Jean-Baptiste) che torna nella scena degli appuntamenti. Dopo essersi accoppiata con un potenziale compagno, decide di acquistare un nuovo vestito per l'occasione. Una volta che entra nelle porte del grande magazzino di Dentley e Soper, diciamo In tessuto diventa molto, molto strano quando un abito posseduto inizia a provocare il caos sulla vita di tutti coloro che lo incontrano.

Hai letto bene - il 'cattivo' di In tessuto è un indumento omicida, ma questa è solo la punta del bizzarro iceberg per il film in quanto si trasforma ipnoticamente in una festa da umore metafisica da incubo, dai riflessi gialli, piena di ossessionanti feticci fetish, barre laterali gory e sfacciati voli di fantasia febbrile come profondamente inquietanti come sono stranamente affascinanti.

L'usignolo

Quando il direttore diL'esorcista afferma che il tuo film lo è 'il film più terrificante' che abbia mai visto, hai chiaramente fatto qualcosa di giusto. Pochi non sarebbero d'accordo sul fatto che Jennifer Kent abbia consegnato la merce quando lei Unleashed Il Babadook nel mondo nel 2014. Ma un successo del genere suscita senza dubbio aspettative per il tuo film di follow-up, in particolare tra i fan che cercano un'altra confezione horror che induca l'incubo.

Forse in risposta a queste aspettative, Jennifer Kent ha evitato del tutto il genere horror per il suo seguito, offrendo invece un thriller del 19 ° secolo ambientato nelle pericolose vedute del deserto della Tasmania. Ma questo non vuol dire che Kent sia diventata debole per il suo seguito Il Babadook, perché possiamo assicurarti L'usignolo è spesso altrettanto terrificante.

In realtà, ti diremo in anticipo che ci sono alcune scene L'usignolo che anche i fan dell'orrore costante faranno fatica a sedersi. Uno in particolare coinvolge il brutale stupro del protagonista del film (interpretato con intensità straziante e nervosa da Aisling Franciosi), una scena in cui l'assalto sessuale non è sorprendentemente la cosa più atroce che accada. In realtà, l'orrore abominevole del momento batte tutto ciò che Kent annoiava Il Babadooke mette in moto un refrigeratore caustico e antimperialista di vendetta su una donna disprezzata per vendicare torti inimmaginabili. Senza rovinare l'inseguimento, diremo semplicemente che la strada della vendetta è piena di suoi stessi terrori. Lungo la strada, Kent offre un film di inseguimento emotivamente livido tanto brutalmente quanto compassionevole da togliere il fiato.